Let It Sound

Mardi dernier, aux Octaves de la Musique, The Experimental Tropic Blues Band remportait le trophée “Pop-Rock”. Une récompense méritée mais inattendue qui vient, enfin, consacrer les efforts du trio liégeois.

Cela fait plus d’une décennie aujourd’hui que Boogie Snake (J.J. Thomsin) et Dirty Coq (Jeremy Alonzi) galopent des doigts sur leurs grattes respectives. Trois albums déjà que Devil d’Inferno (David Dinverno) assure leurs arrières en malmenant les fûts. Et enfin le miracle fut. Il aura sans doute fallu qu’un expert comme l’ami Jon Spencer appose sa patte magique et enregistre la plaque dans son studio new-yorkais. Pour qu’au final la troisième couche fasse mouche aux écoutilles de tous. Pour que la rumeur devienne réputation. Pour que les rois liégeois du rock noir-jaune-rouge puissent dignement trimballer leurs couronnes (Crédits: Olivier Donnet).

Le groupe pop revisite son répertoire entouré d’un grand orchestre. Pari réussi. Après six dates à la salle Reine Elisabeth d’Anvers, il se produira au Sportpaleis.

Se produire avec un orchestre? L’idée trotte dans la tête d’Hooverphonic depuis belle lurette. Depuis sa formation en 1995, en fait. Dix-sept ans plus tard, fort d’un parcours marqué par un constant renouvellement artistique et un succès conséquent, le groupe pop belge concrétise son rêve. Il se produit en compagnie d’un orchestre de 42 musiciens (cordes et cuivres). Sur scène, d’une part : à la salle Reine Elisabeth d’Anvers (il vient d’y donner trois concerts et en donnera trois fin avril - tout est soldout), puis au Sportpaleis (*). Sur disque, d’autre part : "Hooverphonic With Orchestra" paraît ce 9 mars. Pari réussi pour la formation emmenée par Alex Callier (basse, textes, la plupart des compositions, arrangements) et Raymond Geerts (guitare), et dotée d’une nouvelle chanteuse depuis 2010. Noémie Wolfs se glisse avec une belle aisance dans le répertoire d’Hooverphonic.

A 62 ans, plus que jamais en pleine forme, Bruce Springsteen sort “Wrecking Ball”, son 17e album studio. Complètement remonté contre la crise financière de 2008, il livre une œuvre salutaire.

Les icônes se suivent et ne se ressemblent pas vraiment. Fin janvier 2012, Leonard Cohen était de retour, après huit ans d’absence, avec ses "Old Ideas". Cette fois, c’est au tour de Bruce Springsteen de revenir sur le devant de la scène. Deux ans à peine après "Working on a Dream" ("Travailler à un rêve"), il débarque avec "Wrecking Ball" (Boulet de démolition). Le contraste est saisissant. Bruce n’est pas content, c’est le moins que l’on puisse écrire. L’homme s’est toujours senti concerné par le monde qui l’entoure. Il le doit sans doute au milieu familial dans lequel il a grandi. La crise, ça le connaît. Dans les années 50, son père se retrouve au chômage et éprouve d’énormes difficultés à retrouver un travail. C’est donc sa maman qui subviendra aux besoins de la famille, "travaillant très dur chaque jour", raconte-t-il devant une centaine de journalistes réunis le 16 février dernier.

L’un des plus fins songwriters américains, Randy Newman, a réjoui l’Ancienne Belgique samedi. Avec son Steinway de concert, il est le roi.

Un concert de Randy Newman est toujours un moment d’exception. Ce fut d’autant plus le cas, samedi soir, à l’Ancienne Belgique, à Bruxelles, que le chanteur se présentait seul. Mais pas tout à fait, puisqu’il s’accompagnait de son piano favori, le Steinway de concert. D’abord connu pour ses musiques de film, dont tous les épisodes du célébrissime "Toy Story", Newman, 68ans, est avant tout l’un des auteurs-compositeurs les plus originaux et impertinents du XXe siècle. Il lui a fallu longtemps pour faire comprendre que "Short People", qui s’attaque aux gens de petite taille, était de l’ironie pure dans la bouche d’un tiers un peu cinglé. Faire parler des personnages soigneusement décalés, un négrier ("Sail Away"), un Dieu distant et cynique, disant aux hommes catastrophés: "Vous devez être fous pour croire en moi, c’est pourquoi j’aime l’humanité, vous avez vraiment besoin de moi" ("God’s Song"), ou un politicien totalement " ouf" ("Political Science"), avec un scénario digne du film "Docteur Folamour" de Kubrick .

Avec Skip the use, la marmite de la Rotonde du Botanique risque d’exploser.

Là où ils se produisent, ils laissent tout le monde sur le tapis. Ce n’est donc pas vraiment une surprise de les voir nominer aux Victoires de la musique 2012 catégorie scène. Ils, ce sont cinq potes originaires de Lille et ses alentours. Nom de scène: Skip the Use. "On voulait s’appeler Nirvana ou Iron Maiden, mais c’était déjà pris", rigolent Mat Bastard (sic) et Yann Stefani. Skip the Use (changer les habitudes)? Leur nom de scène, ils le doivent tout simplement au fait qu’ils n’avaient pas envie de faire la même chose que les autres. C’est clair qu’en mettant punk, hardcore, afro, hip hop et electro dans la même casserole, il y avait de quoi changer les habitudes!

Le groupe bruxellois jouait jeudi soir au Cirque royal. Dans “La Déroute” il pointe du doigt “L’homo ça pionce” et prend un virage plus électrique, plus à l’Ouest.

Un gosse joue avec des revolvers, sur la pochette de "La Déroute", troisième album de BaliMurphy. Sur un galop de guitares, dans un air comme chargé d’une menace, le groupe (dé)chante "L’Homo ça pionce", "espèce animale éveillée/quand elle vide les bars du quartier/Tas d’ADN bien abruti/qui ne saisit pas ce qui s’annonce". L’homme, "un mini asile de fous. une envie non terminée", "le corps tout percé d’ondes et d’images" ("Le Caméléon"). Un être doué de raison qui pourtant peine à aborder sereinement la mort ("Millésime"). Si cet album bien ficelé traite globalement "du deuil : d’une personne, d’une période de la vie, d’une relation", tout n’y est pas noir, pour autant. Y pointent quelques touches d’humour ("La Comptine des trois balles"), et puis, tout se termine sur un drôle de "rêve" peuplé d’amis pouilleux et de relents immondes - tout est dans la chute, surprise.

Avant de prendre une pause à durée non déterminée, le groupe de Nottingham livre un neuvième album. “The Something Rain”, un majestueux bloc de 50 minutes à écouter d’une traite.

Il y en a des groupes qui doivent envier la position des Tindersticks. Des groupes qui aimeraient, eux aussi, pouvoir commencer un album par un spoken-word jazzy long de plus de neuf minutes, comme "Chocolate" sur le dernier album, pour ensuite encore délivrer 40 minutes de musique intemporelle et conclure par un court instrumental pas si anodin qu’il n'en a l’air à la première écoute. Et tout cela en étant assuré que leur public habituel les suivra les yeux fermés. Mais le groupe de Stuart Staples ne s’est pas mis dans une situation confortable par hasard. Il y a du boulot là derrière mais aussi une certaine vision de la musique, intransigeante dans son genre. Et aussi des remises en question comme, lorsqu’en 2003, le groupe, lessivé et à court d'inspiration, décide d’arrêter les frais. Avant de reprendre la route des studios en 2007 avec un leitmotiv: ne plus se laisser enfermer dans une image - celle du combo classieux aux mélodies crépusculaires - et reprendre du plaisir, sans tabous musicaux et sans crainte de décevoir leurs fans.

Les icônes se suivent et ne se ressemblent pas vraiment. Fin janvier 2012, le grand Leonard Cohen était de retour, après huit ans d'absence, avec ses “Old Ideas”. Cette fois, c'est au tour de Bruce Springsteen de revenir sur le devant de la scène.

Deux ans, à peine, après “Working on a Dream”, il débarque avec “Wrecking Ball” (“Boulet de démolition”). Dans les deux cas, la maison de disques, qu'ils ont en commun, a organisé un même “event”, comme on semble dorénavant nommer ce genre de rassemblement. En gros et au menu: une écoute exclusive de l'album, suivie d'un Q&A (questions-réponses avec l'artiste), pour une centaine de journalistes en provenance des quatre coins d 'Europe, avec une extension à l'Australie et au Japon. Déjà, à la lecture du courriel annonçant l'événement, on s'était demandé s'il n'y avait pas erreur sur la personne. Endroit tenu secret, recommandations de choses à faire et à ne pas faire (do & don'ts), etc. N'allions-nous pas plutôt rencontrer la reine d'Angleterre, à l'occasion de son jubilé? Serions-nous les yeux bandés pour nous conduire au fameux endroit tenu secret?

L’Irlandaise publie un second album délicat et lumineux, “Passenger”. Qu’importe la destination, il y a des tranches de vie qu’on trimballe toujours avec soi.

Dehors, le thermomètre affiche zéro degré. Dedans, Lisa Hannigan arbore une petite robe légère, rouge vif à fleurs bleu électrique - sur des collants et boots, que l’on se rassure. On ne peut s’empêcher de faire le parallèle : ses textes ont beau être plutôt sombres, et sa belle voix doucement fêlée et mélancolique, il y a toujours un sourire, un éclair printanier dans son chant et sa musique - son regard pétillant faisant le reste. Pour le reste, Lisa Hannigan, qui vient de publier son second opus, "Passenger", n’est peut-être pas aussi sage et lisse que son minois et ses robes. Il suffit de visualiser le clip de "Knots", son récent single, pour s’en assurer. On en voit de toutes les couleurs. La chanteuse, vêtue de blanc, ukulélé compris, se fait copieusement asperger de peinture pendant ses trois minutes trente de prestation - sans se laisser démonter. "J’aime les vidéos tournées en une seule prise. Il fallait donc trouver une idée simple à réaliser - et pas trop coûteuse", explique la chanteuse irlandaise de 29 ans.

Le duo electro a composé une BO pour la version couleur du “Voyage dans la lune” de Méliès (1902). Epopée dans l’espace et dans le temps.

Belle odyssée - de l’espace et du temps - que voilà. En 2011, deux univers artistiques se rencontrent : Air, duo electro-pop culte formé peu avant l’an 2000, et Georges Méliès, un des pères fondateurs du cinéma et un pionnier des effets spéciaux, qui réalisa en 1902 le célèbre "Voyage dans la lune". Le tandem versaillais a été invité à composer une bande originale pour la version couleur de ce court métrage muet, récemment exhumée et rendue à la vie (lire ci-contre). Air, propulsé en 1998 avec l’album "Moon safari", connu pour ses mélodies planantes sinon cosmiques, son esprit aventureux et quelques musiques de film ("Virgin Suicides" de Sofia Coppola), était, de fait, le partenaire tout trouvé. Dans la foulée, le groupe a concocté un album éponyme - d’une trentaine de minutes, donc plus étoffé que la BO -, qui paraît ce 6 février, accompagné du DVD du film de Méliès. Un disque - forcément - un peu étrange et fascinant, contrasté, hors du temps, qui erre davantage sur le pôle atmosphérique et expérimental que la face pop et mélodique (quoique ) de la planète Air. Rencontre avec Nicolas Godin et Jean-Benoît Dunckel.

Le 17 décembre 2011, 12 000 places (deux Zénith parisiens) furent mises en vente et écoulées en... 12 minutes!

Cette année, Indochine fête ses 30 ans. Qu'allait donc nous concocter leur maison de disques pour l'occasion? Grande question existentielle rapidement résolue quand son leader, Nicola Sirkis, unique rescapé de la formation initiale, refusa l'idée d'une intégrale. Ce serait donc “Paradize +10”, une réédition anniversaire de l'album éponyme qui, en 2002, sonnait un peu comme un “Stop ou encore” pour le groupe. (Crédits: Carl Neyroud KMS)

Deux morceaux auront suffi à braquer tous les projecteurs sur la belle. Depuis vendredi, Lana Del Rey se décline aussi en version album.

Que celui qui n’a jamais entendu parler de la demoiselle se prenne la première pierre. Telle assertion apparaît, certes, un rien exagérée, mais on n’en est pas si loin finalement. A l’heure du world wide web cuvée 21e, de l’air wi-fi dans les fast food et de l’information deux - voire trois - point zéro galopante, le nom de la starlette américaine qui buzze plus vite qu’elle ne chante résonne même aux oreilles de vos collègues les plus largués. Et vous ne tarderez sans doute pas, jeunes gens, à essuyer un furtif mais éloquent "elle chante pas mal cette Lana Del Rey" de la bouche de votre oncle lors d’un prochain dîner de famille.

Le groupe liégeois sort son premier album, le brillant “Domino”, ce 30 janvier. Devenu sextet, il a élargi son horizon et se dote de belles envolées lyriques.

Cela démarre dès le titre inaugural, “Moon”: la musique de Dan San vous entre dans l’oreille doucement mais sûrement, crescendo. Une note continue de violon, un bruissement de guitare, puis un deuxième… D’un coup, la lumière perce la brume, le bruissement se fait galop, et trois voix s’élèvent: “We are lost in a dark room.” Une pièce sombre? L’auditeur, lui, se voit plutôt cavaler dans une nature vierge, grandiose. Frisson garanti, a fortiori sur scène. On a pu le vérifier au centre culturel de Chênée le 20 janvier, où le groupe donnait le coup d’envoi de son premier album “Domino”: le sextet maîtrise parfaitement son folk baladeur, tissé de fines harmonies vocales et de riches arrangements, et de surcroît lui insuffle une énergie communicative. “Domino” est l’une des premières belles surprise de 2012, qui plaira aux fans de folk-pop chorale à la Fleet Foxes, Syd Matters ou Midlake.

Douzième album studio de Leonard Cohen, “Old Ideas” sort à la fin de la semaine. Ces “vieilles idées” font de magnifiques chansons, dont l’auteur parle avec un humour distingué.

Ces jours-ci, l’on distribue le terme d’icône à tire-larigot. Madonna ou Lady Gaga, icônes de quoi, au fond? Pour comprendre, ressentir même ce qu’est une authentique apparition, il faut voir Leonard Cohen entrer dans le salon doré d’un grand hôtel parisien. Une cinquantaine de représentants de la presse européenne sont là pour les écouter, son nouvel album et lui.

En mode "unplugged & waves", le groupe -emmené par Simon Buret et Olivier Coursier - fait trois arrêts en Belgique. Une tournée d'ores et déjà gravée sur CD: l'album live "Waves from the road".

En 2007, la ballade "U-turn (Lili)" tournait en boucle sur les ondes radio, propulsant Aaron vers le succès. Depuis lors, deux albums studio sous le bras, ils tournent, ils tournent, (Simon) Buret et (Olivier) Coursier. Leurs concerts ont quelque chose de magique, empreints d’une énergie subtile, sans esbroufe. Et ce, qu’ils se produisent en formule réduite (avec une violoncelliste en 2007), en groupe, entourés d’un orchestre symphonique (2009), ou encore dans un festival en plein air (les dernières Francos de Spa). Quasiment dans la foulée de sa tournée 2010-2011, Aaron en a entamé une autre, en salles. Même formation (quintette), mais des morceaux complètement réarrangés, la majorité en mode acoustique (tel "Inner Street" qui ouvre l’album en piano-voix), tout en conservant des moments électriques ("Passengers", notamment). Entamée en octobre et de passage en Belgique fin janvier(1), cette tournée "Unplugged & waves" est déjà l’objet d’un très bel album live, "Waves from the road". Ils tournent, ils tournent, Aaron. Mais pas en rond.

Le dernier chef-d’œuvre des Who bénéficie d’une réédition à sa mesure. “Quadrophenia” témoigne du malaise de la jeunesse des années 70.

Concluant une année extrêmement riche en rééditions - intégrale studio Pink Floyd, albums "McCartney", "Some Girls" des Stones, "Achtung Baby" de U2, "Smile Sessions" des Beach Boys -, la version remasterisée de "Quadrophenia" a tout pour plaire, dont un son à tomber à la renverse. Cette édition à géométrie variable est présentée comme le "montage du réalisateur" ( "director’s cut") qui est, en réalité, celui du concepteur, Pete Townshend, guitariste et compositeur des Who.

Il aura suffi de deux clips postés sur Youtube pour faire d'elle le buzz musical de 2011.

Avec son allure de femme fatale, Lana del Rey fascine les critiques musicaux de la planète qui s'interrogent : artiste authentique ou poupée fabriquée par l'industrie du disque? L'histoire commence l'été dernier. Comme des milliers d'apprentis chanteurs, Lana del Rey, une Américaine de 25 ans alors totalement inconnue, publie sur internet le clip d'une de ses chansons, "Video Games". La vidéo, qu'elle dit avoir réalisée elle-même à partir d'images d'archives, d'extraits de dessins animés et de séquences contemporaines, rappelle les ambiances de David Lynch et Sofia Coppola. Sur une musique lancinante, elle y chante une histoire de femme fatale et soumise, d'une voix à la fois profonde et lasse.

Le dernier album de dEUS est sacré disque de platine en Belgique.

"Keep You Close", le septième album du groupe anversois dEUS a obtenu le titre honorifique de disque de platine, correspondant à 20.000 exemplaires vendus en Belgique, a indiqué le manager du groupe, vendredi dans un communiqué. Le disque de platine a été remis à Tom Barman et ses acolytes vendredi soir, lors du concert du groupe à la Lotto Arena d'Anvers.

Le 25 novembre prochain The Experimental Tropic Blues Band étrennera son nouvel album "Liquid Love" au Magasin4.

Nous étions de ceux qui avaient eu la bonne idée de cogner le bar du Café Central le 21 septembre dernier pour la dernière petite sauterie en date des Liégeois dans la capitale. Il s'agissait à l'époque de célébrer la sortie en vinyle de "The Best Burger", premier single issu du nouvel album alors à venir. Une sorte de mise-en-oreille corsée avant de pouvoir se goinfrer. Et bien, ce disque, le voilà enfin... Bien nommé "Liquid Love" aux mélodies qui tachent, mais dont on se macule à l'envi, comme un sale gamin qui saute à pieds joints dans les flaques. C'est, en une décennie de rock, le troisième LP de The Experimental Tropic Blues Band qui, cette fois, a confié à Jon Spencer et Matt Verta-Ray (l'acolyte du premier au sein de la formation Heavy Trash, Ndlr.) le soin de peaufiner la production et l'enregistrement de la chose. C'était en mars dernier dans leurs studios new-yorkais... (Crédit: Olivier Donnet)

Alain Souchon reprend des chansons que lui chantait sa maman, ou qu’il a chantées à ses enfants..Un album créé au profit de La Ligue contre le cancer.

Le nouvel album d’Alain Souchon s’intitule “A cause d’elles”. Si l’intéressé était chanteur de charme, éternel cœur brisé ou misogyne, on penserait qu’“elles”, ce sont les femmes. Rien à voir, en l’occurrence. La pochette, illustrée par Sempé, dissipe d’ailleurs tout doute. “Elles”, ce sont essentiellement les chansons qui ont marqué Souchon, enfant – plus un inédit “Le jour et la nuit”, et son tube “J’ai 10 ans”. “J’ai lié ma botte (le bois joli)”, “Memphis Tennessee”, “Simone”, “La chanson de Marianne”, “Les crapauds”… : elles ont 50, 70 ans, parfois bien plus. Il leur offre une nouvelle vie, dans une réalisation sobre et contemporaine concoctée par Renaud Létang. Un album créé pour une bonne cause : un programme de lutte contre le cancer des enfants (la recherche, mais aussi des hébergements pour les familles vivant loin des centres de soin). Le chanteur reverse intégralement, à La Ligue contre le cancer, la part d’argent qui lui revient sur ce disque.